当前位置: 首页 >交流园地 >当音乐遇见夏加尔的色彩画 ,想不到如此精妙…

当音乐遇见夏加尔的色彩画 ,想不到如此精妙…

2021-09-07 18:53:28


一位是绘画大师,

一位是音乐大师,

这是一场关于大师之间穿越时空的

对话和碰撞


古典音乐遇上新媒体

音乐厅变成了“流动的美术馆”


钢琴家叫米哈伊尔·鲁迪,让音乐变成夏加尔的色彩画,他用音乐与绘画相结合的演奏,开创了一个与众不同的钢琴独奏会形式,在全世界受到广泛欢迎和赞誉,他全新的演奏形式给观众们带来了前所未有地视听享受。


与夏加尔家人《音乐的色彩》的合作

 

这件事缘起于夏卡尔的外孙女梅列特·梅耶。她在巴黎蓬皮杜中心的展览《生命舞蹈》(2011-2012 年)中见到《图画展览会》的音乐会影片, 这是我结合作曲家穆索尔斯基1874年同名乐曲及康丁斯基画作而创作的一部多媒体作品。她很兴奋地联系到我,想邀请我为尼斯的夏加尔博物馆4 0周年馆庆创作一部类似的作品。之后她给我看了夏加尔在巴黎歌剧院天篷画完稿前所创作的1 4幅原始手稿, 并无私地把这些作品授权了给我,通过研究这些手稿,从中能体会到这幅巴黎歌剧院最大规模的画作由纯抽象概念至最后成形的完整创作过程。



这些画面和音乐是如何被选取出来的?

 

最终的搭配似乎是灵光一现, 但是我花了整整一年的时间去筹划准备, 这是个非常复杂的过程。夏加尔自不同文化、时代和艺术形式中汲取灵感。在我看来, 他笔下跳舞的天使是对意大利文艺复兴时期的那些伟大作品的呼应。我便开始将注意力转移至画面以外, 思绪集中在能配合天使动作的音乐上, 于是听到格鲁克的曲子, 便仿佛见到欧吕迪克拨弄七弦琴, 见到天使手捧鲜花向我缓缓走来。将图像与《奥菲欧与欧吕迪克》的〈精灵之舞〉契合, 调速是关键。我想要突出的是格鲁克音乐中的意象, 因此花费了很多心力,才将天使由画面中心移到边缘的动态与音乐同步。

 

 

莫扎特是夏加尔最钟爱的作曲家之一。天篷壁画中有《魔笛》的人物, 1964年巴黎歌剧院的天篷揭幕仪式上恰巧也演奏了莫扎特的C大调第四十一交响曲,《朱庇特》的尾章。后来,我选择将莫扎特的《D小调幻想曲, K397》与格鲁克的《精灵之舞》进行搭配, 因为我认为这两部作品完全是相近音乐主题的两曲变奏形式。除了使用夏卡尔未公开的手稿外, 我还为这部分创作了场景绘本, 高清绘图的天使和小号便是我的原创。



我选用李斯特根据瓦格纳《特里斯坦与依索尔德》为钢琴谱写的《依索尔德的爱之死, S 4 4 7》,是想以全新视角再现经典神秘的爱情故事。夏加尔是抽象表现主义的狂热爱好者, 我在多次与梅列特·梅耶的讨论中,深入探讨过这一点, 她父亲不仅是夏加尔作品的国际顶尖专家, 也熟知各种近当代艺术流派。最终我们得出:一个彻底抽象的布景, 视觉与音乐的结合是恋人愉悦感的迸发, 最纯粹地脱离了歌剧中常有的那类修饰性的表现。


我对德彪西的《四度练习曲》和《八指练习曲》的视觉展现,也是以夏加尔对抽象表现派的热情为基础的。在我印象中, 移动中的马赛克使人很容易联想起杰克逊·波洛克和与他同期的实验派画家的作品。德彪西也是夏加尔钟爱的作曲家之一, 他的音乐深刻地影响了他的视觉创作。在设计建造尼斯的夏加尔博物馆时, 夏加尔就曾经把即将制成马赛克壁画的作品拿给给工匠们看, 并反复叮嘱说:「做出德彪西音乐的那种感觉,就对了!」。



配合拉威尔《圆舞曲》的动画是贯穿整部作品主题的高潮。歌剧和神话人物在巴黎的景观建筑下起舞, 彩色和黑白图像缓缓席卷而来。画面随之闪过夏加尔作画时的身影, 带出这位色彩大师与我对其作品的演绎之间的一场创新对话。因此,《音乐的色彩》不单单反映了一场音乐的色调变化,更是一次还原了夏加尔协调色彩、抽象表现法和黑白印象手法的艺术实验。



钢琴大师鲁迪:一起聆听夏加尔


我对夏加尔世界的了解最初来自60年代末的一本艺术杂志,那是本来自于相对当时的苏联来说,更加自由与民主的国家——南兹拉夫。我半读半猜地在满篇塞尔威亚语的文章中看到了巴黎歌剧院顶棚画作顺利揭幕的消息,文章末尾,还配上了那幅作品的照片。那张图片令我震惊良久,因为我此生还从未见过如此恢宏的画作:巨大的环形轮廓里充盈着丰富且多变的色彩,古代寓言神话般的半人半兽式的人物,他们大多抱着弹奏的乐器,你甚至可以感受到他们于天际间飘逸穿梭时的轻盈和与云彩划过的痕迹……当我细致观察于每个场景时,那些我熟悉的作曲家和伟大的作品便立刻跳入我的脑海:莫扎特的《魔笛》、瓦格纳的《特里斯坦与伊索尔德》……那些音乐世界里的角色出现在面前这幅画里,仿佛正在同一个多彩的宇宙里演奏、歌唱、舞蹈:我于是忍不住把这本杂志放到了钢琴前,凝望着那些照片弹奏起那些熟悉的旋律来……于我来说,那简直是一次神奇的艺术体验。



我做梦也不会想到,仅仅四年之后,因为音乐,我见到了这幅画的作者——夏加尔本人。那时我刚刚因身份问题,。恰巧罗斯特波维奇(Slava Rostropovich)邀请我与艾萨克·斯特恩(Isaac Stern)一起为夏加尔90寿辰演一场贝多芬三重奏。我的好友罗斯特波维奇可以说是夏加尔的挚友,夏加尔经常邀请他光顾他坐落在法国尼斯圣保罗·德旺斯山上的家中。因为这个机缘,我作为唯一的钢琴家也成了那次汇集了国际文艺界众多名流的“夏加尔90岁生日艺术展计划”中的一员。



当我在蓝色海岸边的别墅里第一次亲眼见到夏加尔本人,竟被这位老者那笑容映衬的光芒下依旧俊俏年轻的面庞所震惊。他就那样微笑地跟我说:“你知道么?在我的美术馆里有一个我亲自设计的声音条件非常好的音乐厅,那儿的玻璃窗图案与管风琴都是我自己设计的。真希望您能经常来演出……”那是一次让我毕生难忘的“团聚”:我们三个人——90岁高龄的夏加尔、刚过完50岁生日的罗斯特波维奇,还有当时只有24岁的我。

 

老中青三代人,三个背井离乡的俄罗斯艺术家,各自把心里真正的家乡交给了艺术,祖国虽然拒绝了我们,我们依旧在异乡表达着对俄罗斯最深沉的爱。

 

在这之后的几年里,通过数次拜访夏加尔在尼斯的家,我们成了艺术上的莫逆之交。我曾在他的面前弹奏过各时期各类型的音乐,从巴赫、莫扎特、舒伯特、勃拉姆斯、肖邦到德彪西、拉威尔、穆索尔斯基,我也逐渐了解到大师广泛的音乐涉猎与偏好。那个时候,夏加尔还同时负责着尼斯美术馆的主要展出策划,凡事必躬亲,我的独奏音乐会也自然成了他策展的一部分,就连音乐会的海报也或取材于他的画作,或由他本人亲手绘制。当时的尼斯美术馆,是法国第一个专门为当代艺术家修建的美术馆,也基于此,美术馆里的专业音乐厅也成为建筑设计之初的重要部分,这皆源自夏加尔本人集合了音乐与视觉艺术的个人理念。



终于有一天,我的独奏会在巴黎歌剧院加尼叶宫举行。我花了整整一下午走台排练的时间,什么也没干,只是坐在歌剧院最高层包间的椅子上,望着那幅画直到晚上观众进场。当时我坐的位置正对着《奥菲欧与欧吕迪克》的部分,,抱着七弦琴的欧吕迪克被刻画地如此之精妙,你甚至可以感受到它在云端飞翔的流动感。夏加尔曾告诉我,这部分的创作灵感正来自于格鲁克的音乐《精灵之舞》,所以当时我想,如果将面前这些以电影的方式让它随着原本的音乐动起来,那就太好了!

 

在之后的几个月里,我在这幅歌剧院天顶画作的电子复制品面前,详细测算了每个围绕在欧吕迪克身边的天使的角度。让一个学音乐的去研究一幅美术作品并做出精确的测算作业,这实在太难了!更何况夏加尔本人在他的作品里同时植入了非常个人化的诗歌文学元素。例如在这部分画作中,奥菲欧只是一个虚无的存在,作者把一个人的形象具象成了一把七弦琴,以及满怀鲜花引渡着欧吕迪克的天使,这些元素其实源自于15世纪文艺复兴初期意大利的古老壁画设计。正如夏加尔在当初创作时追求的那样,生活在我们这个时代的人,如果没有作曲家格鲁克留下的那些音乐线索,几乎不可能完成对它的丰满诠释。

 

夏加尔的创作生涯受到了很多伟大作曲家音乐的启示,而莫扎特无疑是他的最爱。他曾无数次跟我说过,“很多时候,我会感觉莫扎特在演奏我的画作,而我则用我的画笔呈现他的音乐。”毫无疑问的是,莫扎特的音乐色彩所富有的神圣力量,无时无刻不在吸引着夏加尔,而他也竭尽一生用他的画笔探寻着二者之间存在的模糊的联系。如果你去细细品味,可以发现几乎所有的夏加尔作品,都非常的“莫扎特化”。因此,在巴黎歌剧院的这幅天顶作品中,你会看到莫扎特乐谱里那些戏剧化与文学化的音乐角色,被夏加尔以特有的诠释放置于最重要的中心位置。

 

夏加尔的一生总是伴随着特定的主题,而爱情主题则不同于其他任何主题,让他在巴黎歌剧院这幅作品中被特意凸显出来,瓦格纳笔下的《特里斯坦与伊索尔德》在这幅画里的特别诠释便能充分说明这一点。为表现原作中那种代表了“爱的欲望”的紧张感,我特别在后来的影像设计中,对其进行了逐步化的色彩分析处理:冲破了时空概念的太阳的血红色、阳光普照下透出的充满了生机的鲜黄色、为唤起走向死亡的爱的那融化在蓝色海洋中的极具冲击力的绿色……这些个性鲜明的音乐色彩是连同时期的抽象主义学派代表马克·罗斯科(Mark Rothko )或者范费尔德(Bram Van Velde)都无法企及的高度。

 

黑色与白色是夏加尔在不同形式的作品中被运用最频繁的“实验品”,而对我来说,夏加尔的手稿是一座巨大的艺术宝藏,在这里封存这这位艺术家多样而大胆的尝试。当我们去翻阅夏加尔创作歌剧院顶棚时那几幅纯黑白色彩的手稿,会发现他创造性的化繁为简的哲学。比如我们在画作的中心圆圈区域的最初设计手稿中可以感受到俄罗斯构成主义学派,亚历山大·罗钦可(AlexandreRodtchenko)与利西茨基(El Lissitzky)的强烈印记。从音乐的角度看,我把它比作一个环形一样的循环主题变奏。在黑白线条之间的渲染与对比中,展现出德彪西12首《练习曲》里千变万化镜像,在这样的音乐变奏里,画作底幕下的两环相套呈现出万花筒一样的放大形式,将色彩拓展至无尽的边缘,甚至是整个剧院。

 

节奏,在夏加尔的这幅画作中也起到了举足轻重的作用。巴黎歌剧院的天棚本就赋予了这座剧院自己的节奏,这让在它覆盖下的一切事物同样遵循着“循环”的运动肌理。这让画作里的一切元素,无论舞者、天使、恋人、还是天鹅、公鸡、乐器,都仿佛环绕在一曲速度又慢至快、最后发展愈加宽广的华尔兹舞曲之中。

拉威尔的华尔兹舞曲在创作上恰恰与这一特性有着天然的一致性,这为整个画作增添了一种欢呼雀跃的行进感。巴赫的《尊主颂》(Magnificat in D,BWV243)的神圣合唱,安德烈·鲁布廖夫(AndreiRublev)的圣画像技法,弗拉·安杰利科(Fra Angelico)的透视画设计,以及莫扎特的歌剧,都仿佛被这样的旋转而收入其中。

 

这便是一座伟大的并将常存于世的歌剧院的画作。音乐的色彩,不仅仅可以被看见,而且有必要用心学会去倾听。


文:Mikhail Rudy。译:渡边泊




钢琴大师米哈伊尔·鲁迪


钢琴大师米哈伊尔·鲁迪出生于前苏联,于莫斯科音乐学院师承钢琴大师雅各.弗莱尔(Jacob Flier)。 1975 年于巴黎玛格丽特·隆大赛折桂后迁往法国。他首次踏上国际舞台便是与伟大而传奇的前苏联大提琴演奏家罗斯特波维奇(Mstislav Rostropovich )及小提琴家艾萨克·斯特恩(IsaacStern)合奏的贝多芬《三重协奏曲》。

 

鲁迪曾与很多世界知名的乐团和指挥大师合作。早年间便曾受邀指挥大师卡拉扬的萨尔茨堡音乐节演出。他的美国首演是与指挥大师洛林·马泽尔(Lorin Maazel)指挥的克里夫兰管弦乐团合作,伦敦首演则是与迈克·提尔森·托马斯(Michael Tilson Thomas)指挥的伦敦交响乐团合作。鲁迪至今仍是英国几乎所有主要乐团以及世界各大一流音乐节与乐团的常驻艺术家。其他合作的乐团还包括柏林爱乐乐团、柏林交响乐团、斯卡拉歌剧院乐团、荷兰皇家阿姆斯特丹音乐厅管弦乐团、慕尼黑爱乐乐团、英国BBC交响乐团、德累斯顿国家交响乐团、鹿特丹交响乐团、费城交响乐团、波士顿交响乐团、皇家苏格兰国家管弦乐团、NHK 交响乐团、悉尼交响乐团、墨尔本交响乐团、中国国家交响乐团与中国爱乐乐团等。

   

鲁迪是国际知名唱片品牌EMI 的签约艺术家,他录制的唱片屡获殊荣。其录制的《拉赫马尼诺夫第二钢琴协奏曲》及《柴可夫斯基第一钢琴协奏曲》获法国唱片学院奖法国唱片学术奖(Prix de l'Academie du Disque Francaise),而他的《舍曼诺夫斯基钢琴独奏作品集》则获得了法国国家唱片大奖 (Grand Prix du Disque)。此外他的专辑还获得过查理·克罗斯学院大奖(Grand Prix Academie Charles Cros)、布达佩斯李斯特大奖 (GrandPrix Liszt in Budapest)等。此外,他与俄罗斯指挥大师杨松斯及圣彼得堡爱乐乐团合作录制的拉赫玛尼诺夫与勃拉姆斯全套协奏曲,一直是全球钢琴爱好者的典藏佳品。 在唱片领域,这位出生在俄罗斯、成名于西方的钢琴家的“艺术修养”被Classic FM电台评价为“令人梦寐以求”。



鲁迪经常获邀于祖国俄罗斯演出,与圣彼得堡爱乐乐团和莫斯科的所有主要乐团保持着长期而广泛的合作。他还常于世界各地举行独奏会,并每年在巴黎和伦敦演出。他亲手创立了享誉世界的圣西奎耶音乐节 (Festival de St Riquier in France) 并担任其艺术总监长达二十年。作为“当代最具影响力的钢琴大师”之一(《BBC古典音乐杂志》评选),鲁迪参与过不少电视及电影制作,这其中包括与英国BBC电视台合作的一部讲述柴可夫斯基音乐与人生的经典纪录片,鲁迪在片中弹奏并讲解柴可夫斯基的钢琴作品。在法国,他制作了一系列音乐广播节目,介绍斯克里亚宾、勃拉姆斯、席曼诺夫斯基、雅纳切克等著名音乐家的生平和作品。他甚至还积极从事实验电影的摄制与写作,2008 年出版了第一部音乐著作《钢琴家小说》。


作为钢琴艺术的传播者,鲁迪一直致力于尝试各种打破艺术呈现边界的可能,与其他领域的艺术家展开了丰富而创意的合作。他曾与著名爵士钢琴家米沙.阿尔贝林(Misha Alperin)联合创作了《叠梦》(Double Dream)双钢琴作品, 用重新演释与即兴创作的方式对经典曲目进行了成功探索与全新诠释。此作品先后在泽西音乐节、哥本哈根爵士音乐节、悉尼艺术节、香港艺术节上演,广受好评,其专辑录音2004年被《留声机》杂志评为“月度最佳专辑”。


鲁迪根据华迪沙.斯碧曼(Wladyslaw Szpilman)的传记《钢琴家》创作了一部音乐剧场作品,并于香港艺术节亲自演出。2010 年,鲁迪演创作了多媒体音乐作品穆索尔斯基的《图画展览会》,演出时播放着他参考了 1928 年康丁斯基的剧场版本制成的电影。此作品在巴黎音乐城(Cité de la Musique)大获好评,在法国各地及海外,包括莫斯科、圣·彼得堡、伦敦、耶鲁、纽约、塞尔维亚、米兰和香港艺术节演出。 《图画展览会》在 2012 年 9 月于纽约古根海姆博物馆演出时,好评如潮。


鲁迪的最新作品是一部动画电影,受夏卡尔为巴黎歌剧院顶部的绘画所启发。随着这部影片于巴黎歌剧院及巴黎香榭丽舍剧院的成功,他获委任为联合策展人,于2015年秋在巴黎爱乐大厅策划了首个有关“夏加尔与音乐间色彩”的大型展览。 2015 年 2 月,鲁迪于巴黎卢浮宫与电子舞曲音乐界的传奇人物杰夫 ‧ 米尔斯(Jeff Mills)联手演出多媒体节目,包括一些有关维克托.瓦萨雷(Victor Vasarely)里等艺术家从未发行过的片段。同年 6 及 7 月,他与当代艺术家菲利普.帕雷诺(Philippe Parreno )在纽约公园大道军械库博物馆(Park Avenue Armory )举行的展览出任音乐总监



打开音乐之门•2017暑期系列音乐会

音乐的色彩——法国钢琴大师鲁迪多媒体音乐会

演出信息

票价:150 120 100 80 50 20 元

北京音乐厅(首站)

 

上海交响乐团音乐厅

 星海音乐厅

长按识别二维码立即购票

演出曲目

穆索尔斯基:《图画展览会》

——中场休息——

格鲁克 / 斯甘巴蒂:〈精灵之舞〉

选自歌剧《奥菲欧与尤丽狄茜》

莫扎特:d小调幻想曲,K397

瓦格纳/ 李斯特:《伊索尔德的爱之死》,S447

德彪西:《四度练习曲》

德彪西:《八指练习曲》

拉威尔:《圆舞曲》

注:星海音乐厅上半场曲目:斯特拉文斯基:《彼得鲁什卡》

注:最终曲目以现场演出为准


听音乐尚音爱乐堂

点击图片二维码聆听阅读





点击标题观看


聆听最好的莫扎特 | The Best of Mozart

莫扎特的艺术之魂,让我们切勿为了时代而放弃永恒

BBC纪录片:天才莫扎特

......



本刊编辑:Joe

尚音爱乐|人生新境界




尚音爱乐|人生新境界

shangyinaiyue

聆听世界 感悟人生


长按二维码关注


投稿与合作:shangyinaiyue@163.com

将音乐推向更深更远处,我的意义

感谢支持专业化、人文化的音乐学习和交流平台